Yet if hope has flown away
In a night, or in a day,
In a vision, or in none,
Is it therefore the less gone?
All that we see or seem
Is but a dream within a dream.

但是，如果希望已遠離
在夜晚，在白晝，
在想像中，在虛無中，
是否因此會留下一些?
我們看到的，感受到的
不過是一場夢中夢而已。

──《A Dream within a Dream》
Edgar Allan Poe, 1850

 

 

大廳。進入左邊的門。房間裡有一台鋼琴。你看不見窗外的風景。

進入另一扇門。房間裡有兩張桌子跟椅子。牆上掛著一幅畫。你看不見畫裡的世界。

進入畫中。另一個房間。爬上階梯。進入右邊的門。你回到原來的大廳。

這是德國藝術家 Simon Schubert 與動畫團隊合作的影片。運用白紙的山折（突起的摺痕，在摺紙步驟說明中以實線表示）與穀折（凹進的摺痕，在摺紙步驟說明中以虛線表示），Simon Schubert 以光線的反射角度與影子創造出介於平面與立體空間之間的毫米紙浮雕。將近100張的摺紙雕塑隨動畫逐格播放，觀者也逐步被帶領著、被吸入一個超現實空間裡。在亦虛亦實的空間感知中，Simon Schubert 更以極其細微的光影操控，偷偷地安排了一團光的迷霧在每一個畫面中，觀者彷彿在這間虛構的古老大宅中不斷追逐著這團光影，潛意識中的恐懼與不安隨之而生。

 

 

活躍於德國 Colonge 科隆，Simon Schubert 在杜塞爾多夫藝術學院 Düsseldorf Academy of Fine Arts 攻讀雕塑，在某一個機緣下他當起了哲學系助教，在雕塑的技巧之外，開啟了另一扇關於提問與質疑事物本質的大門。

Samuel Beckett（薩繆爾· 貝克特，20 世紀愛爾蘭、法國荒謬派戲劇作家，諾貝爾文學獎得主）小說中的環形封閉結構與 Edgar Allan Poe（艾倫· 坡，19世紀美國懸疑驚悚小說家、詩人) 作品對於人心黑暗面的描繪對 Simon Schubert 產生極大影響，在他最擅長的摺紙雕塑中，除了創造一個觀看世界的可能窗口，白紙的純粹與薄度造就其浮雕若有似無的空間感知錯覺，因為瀰漫著不確定，在 Simon Schubert 的紙雕圖像空間中， 觀者紛紛將自身的不安、孤單、寂默、失落或空虛投射其中。

 

 

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訪談
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SIMON SCHUBERT

 

請簡單自我介紹。你如何成為藝術家？
我是一位活躍於德國 Colonge 科隆的藝術家。我的創作很大部分是用紙，也有一些其他的素材。我在大型、人們能夠走進去的裝置裡結合繪畫、摺紙創作與雕塑，把它轉變為一個完整的環境。其中的雕塑與人像可以被視為這個空間的居民或內裝。我念德國 Düsseldorf 杜塞爾多夫的藝術學院 Düsseldorf Academy of Fine Arts，除了當中的雕塑課程，我在求學期間做的大量哲學研究也對我很重要。

 

 

請跟我們分享一下你在創作“Elle”與 “Hannah”的概念。如同你創作的其他無臉人像雕塑，他們似乎不往任何地方看 ⋯⋯，他們跟所在的周遭空間有什麼樣的關係？
他們其實都是背面，創作這些人像的概念來自我的一場夢境。我夢見一個我認識的人，我試著要碰觸她，但當我把她的背面轉過來的時候，我看見的是另一個背面，即便她看起來像是轉身了。我認為這投射的是一道障礙，我永遠無法克服的障礙，或是一個我到不了的一個地方、無法觸及的 一個人。它同時也是關於一個人的不存在的強烈投射。

當我創作第一個人像的時候，我了解到她也是與 René Magritte（雷內· 馬格利特，比利時超現實主義畫家）畫作 “La reproduction interdite”（Not to be Reproduced）相對應的雕塑，那是一個很棒的參考，藉由雕塑的呈現，全新的時空意義就產生了。

 

 

你的裝置藝術 “Schattenfuge” 中，餐桌上向外擴張的手以及盤中看起來不斷滋生 的黑色食物帶給我們一種純粹的虛無感， 請跟我們分享它的創作理念。
“Schattenfuge” 是我長久以來創作的一 個裝置藝術系列的其中一件。藉由我的裝置與照片攝像，我創造了一個不斷滋長的建築複合體，或者說一個不斷擴張的人造世界。所以，每個裝置品都是這個世界中的一個空間，我們能夠走進去，而每一張建築攝像都是觀看這個世界的一個角度。 “Schattenfuge” 是這些房間中的其中一個，你能夠走進去，然後它展示了一個龐大的超現實飯廳。我規劃了一場有20位賓客參加的晚宴，他們身穿黑與白。整個晚宴中，每一道菜餚都有其獨特之處，它們都以某種方式與我的創作相連結。

比如說，第一道菜是壓花式的可食用紙張，呈現一個簡單的攝像，它跟一碗黑湯一起上桌。在我這個裝置裡用餐上幾個小時後，賓客就成為我這個創作的一部分， 我想每個人應該都真的被轉移進某個超現實空間之中。

 

 

2011年，你跟 ABSOLUT VODKA 合作，用紙雕將 “purity 純粹” 的概念具象化。那個形象影片中提到 “100% 光與影”、“無墨跡無上色”，對我們來說，這樣的說 法或多或少捕捉到我們看待你紙雕創作的 本質。你的紙雕創作操弄了空間與物體， 背後有什麼意涵？
我認為不依靠任何顏色，只憑紙張這個媒介的材質本身創造圖像，是一件很迷人的事。它是創造圖像一種很純粹的方式，在光線反射與影子的作用下浮現樣貌，隨著光線改變，其中的圖像近乎消逝於純白之中。

 

 

影子在你的創作中扮演什麼角色？
用光線的反射與影子來創作事實上是操弄視覺感知，我非常著迷於這件事。我們的感知將我們連結到周遭世界，我認為不斷去檢視我們如何感知，是件很有趣的事。

對你來說，構成“空間”的要素有哪些？
在我的摺紙攝像創作中，我質疑了什麼是“ 空間 ”，以及什麼是“空間的錯覺”。摺紙張攝像是浮雕，它位於二維與三維空間的感知之間。

你今年初在紐約Foley Gallery藝廊舉辦個人展，展覽名稱“Beyond the Doubt of a Shadow”有什麼特別的意思嗎？
這次展覽標題“Beyond the Doubt of a Shadow”是玩弄“Beyond the Shadow of a Doubt ”（毫無疑問）這個常見說法的文字遊戲，它特別指出了我創作中影子這個元素的重要性。

 

 

你對紐約的印像如何？這次在紐約展出有沒有帶給你一些創作上的養分？
紐約的確是一個非常能激勵靈感的地方。這麼說很老套，不過它真的有很豐富的能量。我感覺這座城市像是一座龐大的機器， 藉由耗費大量的個人能量來產出文化的、經濟的，以及其它的事物。

你最喜歡的材質、顏色，與季節。
石墨、petrol blue藏青色、春季。

最讓你感覺舒服的空間是什麼？會讓你想 逃走的空間是什麼？
大自然是我覺得最舒服的空間。最想逃跑的，是七〇風格的購物中心。■

 

 

SIMON SCHUBERT
www.simonschubert.net