「藝術的存在是為了洗去靈魂上日積月累的塵土。」—— 西班牙藝術家Pablo Picasso

藝術的療癒，來自令雙眼眷戀的輪廓線牽引著靈魂深處潛藏的感性，折射進入瞳孔的色彩暈染了情緒，雙手可以觸及的質地讓指尖輕撫這份來自繆思的眷顧。藝術的真諦並不一定來自非凡的意義，令人傾心的本質讓眼光的凝視成為洗滌靈魂的儀式，藝術也可以如此純粹。

這是現居美國的南韓藝術家Jiyong Lee的創作具有的特質。名為「Segmentation分割」的系列佔據了他創作生涯的大半，靈感來自生物與胚胎自然的細胞分裂現象，將玻璃材質多變的特性比喻人類對科學萬物與生命本質的凝視，霧面磨砂的肌理從透明到不透明的漸變象徵著雙眼視線的清晰與模糊，從未知到理解。Jiyong Lee玩轉玻璃材質與光學之間的微妙變幻，讓人難以一眼參透的工藝技術賦予了創作神秘的性質，儘管一切的設計語彙近乎極簡。這個從2002年開始至今還仍在繼續的系列似乎也是Jiyong Lee個人對美學純粹的執著和探詢，在無機物中尋求有機物的思想，同時身為大學教授的他也帶領著學子以平等身份一起尋找答案。

Jiyong Lee的創作「Mitosis」在2021年入選LOEWE基金會旗下支持傳統工藝的LOEWE工藝獎競賽。2017年他與CHANEL香奈兒展開合作，為當天於首爾舉辦的Mademoiselle Privé展覽特別創作，以山茶花為靈感創作延伸自「Segmentation分割」系列的「Chanel Camellia」雕塑，同時也是當年唯一一位受邀創作的南韓藝術家。「我喜歡作品中充滿詩意和神秘的隱喻」在Jiyong Lee美學之詩中，我們的靈魂和等待凝卻的熔融玻璃一樣，在寧靜之中逐漸清澈。

訪談
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Jiyong Lee

你為什麼會成為一位玻璃藝術家？
我從小就很喜歡設計精美的物件，無論它們到底實不實用。也很著迷於動手創作，於是在韓國的時候我開始接觸陶藝並立刻愛上了它，沉醉在工作室裡沒日沒夜地創作。我很享受藝術家因為素材特性而被制約的日程，因為喜歡複合媒材的創作方式，也促使我想瞭解更多的創作媒材。我喜歡木頭和石頭天然的質地，而玻璃也正好是可以透過自然現象生成的，即便我的工作室裡所用的玻璃種類並非是天然的。玻璃並不如寶石般珍貴，但它仍然比黏土、木材、石材或金屬來得更稀少。吹製玻璃是許多人著迷於這項媒材的主要原因，經驗豐富的藝術家讓創作的動態過程變得非常有魅力，但我更喜歡利用鑄造和冷加工工藝來呈現創作，如此一來我就可以獨自一人在工作室作業，我想也是出於我很懷念從前在陶藝工作室裡所獲得的寧靜感受。我還記得鑄造玻璃深得我心的那一刻，看著許多氣泡在燒熔的玻璃裡緩慢流動直到冷卻凝固，那個過程非常迷人。
 

為什麼長居在美國，而不是南韓？
在美國羅徹斯特理工學院完成碩士學位後，我便決定留在美國繼續創作，因為還有很多我不理解的專業技術等著我去探索。美國的玻璃藝術領域比南韓大得多，藝術家的社群比較廣泛也更有多樣性，我很喜歡他們彼此分享和互相協助的氛圍。

對你而言玻璃材質最迷人的地方是什麼？
玻璃是一種具有隱喻性特質的材料，它可以是透明、半透明或是不透明的，也可以是光亮或者霧面質地的，在堅硬的同時又有易碎的特性，可以是鋒利的或是圓潤的，無色或是彩色的。我們在日常生活中大量運用玻璃製作窗戶或其他物件，但當玻璃作為一種藝術創作媒材，對我而言它卻是非常神秘的。
 

我們注意到你的創作都帶有霧面磨砂的質地，這是否和你的創作理念或是美學有關？
霧面的機理使玻璃呈現了半透明的效果，這在我的創作概念裡非常重要。我將這種半透明質地視為一種理解的層次，也是對人類狀態的一種隱喻。透明玻璃完整呈現了另一面的狀態，和清晰的視覺產生連結，相反的，半透明質地令人聯想到失去視覺的狀態。在透明與不透明之間的維度裡，從完全透明到不透明的漸變也可以理解成人類的好奇心對自然與科學的追尋，從未知到理解的過程。

Segmentation系列佔了你全部創作非常大的比例，在這個系列中你是如何決定玻璃分割的方式？是直覺還是有意識的安排？
這個系列的靈感來自細胞分裂的過程，大多數的時候我透過計畫性的切割來對內部結構做出有意識的決定，在設計分割方式時也考慮了材料、形狀、色彩和光線的視覺效果。系列中也有一部分作品的分割是參照了細胞、胚胎或是其他微觀生命自然的分裂狀態創作的。
 

除了藝術家的身份你本身也是一名教授，當初為什麼會想投入教育的工作？
當我還是學生的時候，我喜歡在校內的工作室和同齡的學生和老師們一起創作，儘管當時我還沒有打算在畢業後馬上進入教學的領域，但從事教學（或兼職）並同時擁有藝術家的身份一直是我的理想。在畢業後不久，我剛好有機會在我的專業領域裡任教，同時也為我的教授Michael Taylor的個人工作室工作了大約五年。後來我搬到了Carbondale，2005年開始在南伊利諾大學任教到現在。我把藝術學院裡的工作室視為一個開放的空間，教師和學生可以一起創作，彼此分享知識和磨練技術，進行討論並交流思想，互相學習和了解彼此。我希望幫助學生順利發展自己的創作，並培養他們的藝術性和創造性。我的教學方式是有機的，建立在每個學生不同的創造性和需求上。

我們注意到南韓近年來也有很多傑出的工藝家，而且他們的創作都以一種非常新的形式被呈現，你認為是什麼原因造就了這個現況？
我想有很多種原因，但在這裡我想針對教育環境。好幾十年以來，韓國人一直熱衷於教育他們的孩子取得更高的學位，這種對菁英教育的熱情後來也逐漸轉向了藝術領域，而非只停留在工程和科學專業。韓國大學和高等教育中的大多數當代工藝課程，更多地側重於教授當代設計和工藝藝術，而不非韓國傳統工藝，有很多藝術家從韓國傳統材料和技術中獲得靈感，但我認為他們對傳統技術和材料的學習和研究並非直接來自他們的學校。相當多的韓國藝術家在歐洲和北美留學，其中許多人返回韓國並在大學裡任教。幾十年來，無論是在韓國還是在海外，韓國和海外藝術家之間的交流一直都很活躍。我想這些年來藝術、工藝和設計界在國際上的互動促成了整個領域的變化。
 

你在2017年的時候有和CHANEL合作，後來也有參加LOEWE工藝獎，你認為像你這樣的工藝家和時尚之間的關係是什麼？
當年CHANEL委託我以山茶花為靈感創作，他們非常支持我以自己的創作語彙來執行這個合作。而在LOEWE工藝獎我是以30名決選入圍者的身分參與的，LOEWE基金會一直致力於支持各種類型的藝術，LOEWE工藝獎是其中的一部分。多年來，我看到許多時尚品牌與各種藝術家合作，我認為那些時裝品牌傳統上一直在創造具有高水準工藝的產品，並與擁有高水準工藝的匠人合作。我認為這兩個幸運的經驗是體現跨界創造能量很好的範例，希望未來也有更多這樣的機會能給予更多其他的藝術家。

去年因為疫情的關係，LOEWE Craft Prize第一次以線上的方式展覽，在過去兩年間也有很多博物館也試著採用這種形式，某種程度上這和元宇宙的概念有點類似，身為藝術家你自己怎麼看這種展覽方式？
雖然在LOEWE工藝獎中我的作品「Mitosis」不幸地沒有被展出，但作為一位創造物件的藝術家，我更偏好在實體展覽中展示我的作品，並親眼看到其他藝術家的創作。但我認為當無法進行實體展覽時，虛擬展覽是一個很好的選擇，我認爲這項技術會持續發展下去，虛擬實境技術也是取代紙本簡介或是紀錄展覽的一個好方法，它可以很好地運用在教育領域上。

你自己有收藏其他藝術家的作品嗎？
我不是那種從藝廊裡收購藝術品的藏家，但我很幸運能擁有幾個藝術家朋友的作品，它們大部分都是送給我的禮物，我都很珍惜。和經過作品的學生和人們談論藝術家朋友的作品是一種莫大的快樂。
 

我們這一期的主題是「INSIDE OUT」，你覺得你的作品最inside的概念是什麼？
我喜歡作品中充滿詩意和神秘的隱喻。我一直對簡單的幾何形狀或生物形態很感興趣，並試圖透過作品創造出與生命和科學的複雜性產生共鳴的結構想像。我的創作中有一系列長方體的作品，它們在角落各有一個缺失的部分，我試圖利用這些缺失的部分創造出另一個美麗的形狀，我想我們生活中所欠缺的並不是「完美」，我們的生活依然是如此美好，因為生活本來就是由很多部分組成的。■（本文出自PPAPER FASHION #86）